Exposición Colectiva: La imagen infinita

Tan acostumbrados estamos a ellas que casi nunca reparamos en esta pregunta: ¿qué es una imagen? Junto a las capacidad que tenemos de poseer, captar, e incluso (como pensarán algunos) de ser lenguaje, podría decirse que también somos “los fabricantes de imágenes” (esa sería una de las características de todo aquello que podemos captar bajo la palabra“humanidad”).

Descubrimos imágenes por doquier. Y parece que cada imagen atrae a otras más, como en una especie de pulso infinito. Quizá el trabajo del artista sea el obtener, dentro de este infinito caos de imágenes que nos atraviesan, una que pudiese, precisamente, detener el flujo, el caos de imágenes y con ello, el tiempo. Así obtendríamos una relativa calma pues, para todo aquel que se interese en pasear por una exposición (sabe o intuye) que hay que detenerse, que una pieza requiere un tiempo especial, un espacio, un mundo que habitar. Ese mundo se lo da el espectador.

Soledad

Pensaba en cosas así cuando observé las piezas incluidas dentro de esta exposición. ¿Es posible encontrar una conexión, un conjunto donde ubicar a todas, pero a su vez, a cada una de ellas? Habrá que pensar estas piezas no sólo en lo referente a la imagen, sino también a la forma, ya que no puede ignorarse la presencia de esculturas y objetos tridimensionales, por ejemplo, las de sutil belleza de Alejandra Contente, figuras procedentes del origami pero que se convierten en duro metal. Además hay obras que tienden a lo memorialístico, sobre todo en el sentido de un recuerdo maximizado, como parecen referir las fotografías de Ricardo Guzmán, que son una suerte de punto en medio de la oscuridad, la iluminación nocturna que transcurre como un fogonazo de la mente.

5 CARRUSEL DE LA SERIE LO FATAL FOTOGRAFIA 36 X 36 CMS. 20144 CANICAS DE LA SERIE LO FATAL  FOTOGRAFIA 36 X 36 CMS. 2014

Otras imágenes que sugieren el recuerdo son las de Ricardo Audiffred; a través de ellas tenemos la sensación de estar allí, y a eso se suman las texturas logradas, la intensidad del color. ¿Y los sueños? Las fotografías de Claudia López Terroso tienen un pie en lo onírico y uno en el recuerdo, podrían sumarse así a este cúmulo de sentido del que hablamos.

Las piezas de María García Ibáñez se implican, se fusionan, intentan interceptarse la una a la otra para crear un nuevo punto de vista, se diversifican, por eso probablemente pensamos, también, que sus estructuras tienden a buscar lo infinito, a estar preñadas de multiplicidad. De Claudia Gallegos nos interesa la armonía que logra una visión que podría nombrarse naturalista; parece que va guardando imágenes, que las colecciona para encontrar un orden personal.  Como personal es la interpretación de los collages de Emilia Sandoval, que propone a su vez reflexiones botánicas de gran emotividad y que llegan a nosotros como un don, es decir, que tanto por lo que representan como por la intencionalidad de la autora aparecen como signos de gratitud; las manos están insinuadas, sólo están demarcadas por hilos, se invisibilizan. La tendencia al tejido, al uso de agujas e hilos, puede estar oculto en las piezas de Ana Hernández a través de puntos que trazan tanto mapas como símbolos y que indican una tendencia a lo minucioso en aquello que puede encarar una aparente sencillez.

Claudia Lopez Terroso

En Oaxaca el arte abstracto puede tomarse como una tendencia a la ruptura; su presencia nos permite entender el flujo del arte. Las imágenes de Ricardo Pinto y José Villalobos enuncian ciertos aspectos que aceptamos dentro del campo de la abstracción, pero crean sus propias diferenciaciones tanto por el sentido como por los logros que sus piezas poseen. Si las imaginamos juntas podemos partir de figuras solares, como los triángulos, pero uno y otro autor decodifican y reconstruyen sus propios estilos. La obra de Ricardo Pinto tiene una evidente tendencia a lo geométrico; las líneas, los firmes trazos son los que marcan la pauta de muchas de sus piezas, pero la complejidad se la dan las capas, los cambios que confluyen entre una y otra diagonal son lo que permite captar la confluencia de tiempos y espacios que se superponen.

villalobos 3.jpg

Lo que podemos expresar de la obra de José Villalobos en esta exposición es, en un primer término, la potencia de la mano, el efecto logrado a partir de un gesto o el instante en que son impresos los signos en el bastidor; la abstracción se logra como un efecto, como el resultado de fuerzas que se aproximan y se combinan y que pueden producir tanto volúmenes como ordenaciones geométricas.

Los valores que inciden en esta exposición son múltiples. Una escena, un pieza nos lleva a la otra, así que podemos pensar en un acierto del curador de la exposición, cuya idea central es la de reunir piezas que son de pequeño formato pero que tienen un sentido y una profundidad mayor. Aquí se encuentran, sin más, obras de artistas con una trayectoria muy específica, como Guillermo Olguín, Laura Rosete o Luis Hampshire, aunque también existe obra de artistas más jóvenes, como la José Ángel Santiago, Julio Barrita, cuyo estilo comienza a gestarse y a imponerse. Así que podemos imaginar la posibilidad de efectos y cualidades estéticas que cada artista imprime a sus piezas, creando así, no tanto un escenario sino un conjunto de escenas que podrían leerse de determinada manera, pero cada vez de modo diferente.

perro origami

Podemos detenernos en cada imagen, en la poética que refiere y que tiende a su vez a imponer otras imágenes, a pensar en la siguientes; se crean contrapuntos, conjuntos armónicos, incluso contradicciones. Estas palabras atienden algunas formas de imaginar la obra de 15 autores, pero si creemos en las posibilidades que una imagen logra, podemos aseverar que el espectador también encontrará entre ellas la posibilidad  del infinito.

Guillermo Santos

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Laura Rosete- talking

El ramo Oaxaca 2016, III baja

Olguin-Canto nocturno copy

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